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不遠千里也要拜訪畫廊

遠離市郊 展場空間可能性更高

 

    以都市型的畫廊而言,展覽場地的租金肯定佔了畫廊支出的大宗。以畫廊聚集最多的台北市東區為例,一個基本大小的空間每個月就要價新台幣510萬元的租金,坪數稍大一些、或是位於黃金地段的,甚至高達數十萬元。相對來說,把畫廊設在較為市郊的地點,不僅可以省下鉅額的租金,若建築本身又是在自有建地上,同時也可以量身打造出符合使用功能和業主理想的建築空間。例如總平面面積高達1甲(約等於3,000坪和1萬平方米)的金枝藝術,就包括各自獨立卻又相互連結的300坪展場、庭園造景、以及畫廊負責人呂東興和呂水源兄弟的自宅;建築體由台灣著名建築師洪蒼蔚設計繪圖,建物全部採取清水模工法建成,其中最具代表性的就是一面挑高8米、寬20米的主要展牆;如此廣闊的佔地和空間設計幾乎難以發生在人口稠密的都會畫廊身上。

 

    矗立在一片稻田和芋頭田中央,灰色幾何的當代建築體顯得非常醒目--金枝最大的特色就是瞭望出去、會隨著季節便化的廣袤水田,田園風情相當濃厚。金枝藝術的幕後出資者為呂東興和呂水源兩兄弟,本業從事寺廟與納骨塔設計營造的呂東興,同時也是一位著名的藝術家和收藏家;5年前建築開始動工之初,呂東興只是單純的希望創造一個私人的收藏空間,方便平時自己和友人玩賞作品,而其中8米乘20米的大牆也僅僅是為了陳列所收藏的一件黃進河的大畫。後來,呂東興又找來了藝術家朋友梁高魁參與庭園造景,幾經討論推敲後,便決定開設畫廊,以呂東興的太太「金枝」命名,又找來台北新苑藝術的前任經理朱汝慧擔任藝術總監,邀請了包括黃進河、李錦繡、陳永賢、李詩儀、黃步青、呂東興與鄭政煌等藝術家共同參與了【金枝莩蘡】的開幕展,正式宣告這個以「當代藝術基地」為初衷的畫廊的誕生。

 

    相較於金枝藝術的「自然而然」,嘉義的泰郁美學堂則顯得按部就班。同樣由一位熱愛藝術的醫師出資,歷經3年的規劃,終於打造了嘉義唯一的複合式人文藝術空間,由藝術家顏頂生擔任藝術總監,負責籌畫整體的活動運作。

 

泰郁美學堂4層樓的建築由建築師許錦榮和毛森江建築工作室聯手打造,整棟建築造型方正極簡,與灰色低調的建築造型相互搭配,展現出精緻典雅的特色。單層面積為62坪的泰郁美學堂,共分成一和二挑高6米的生活美學展示空間、三樓的獨立畫廊以及四樓的講座教室,除了固定換檔的當代藝術展覽外,泰郁美學堂也不定期推出藝術欣賞講座,除了吸引當代藝術的愛好者外,也成為地方藝文愛好人士的最佳去處。

 

    從金枝藝術和泰郁美學堂的例子,不難發現兩者在空間的使用上皆具有很高的彈性--具有高度主體性的建築特質、完整的空間聚落、超大型的展演場地、能夠自由活用的庭園腹地,以上優點都是都會畫廊所難以望其項背的。然而,交通不便、地處偏遠、較少過路觀眾等卻也是一般認為此種非都會型畫廊的缺點。

 

 

 

重質不重量的觀眾結構

 

    論及地處的偏遠的畫廊,其實並非僅有泰郁和金枝兩家,如台中清水的科元藝術中心、台北陽明山的東門美術館等亦都是經營有年的資深畫廊,然而這種地理位置卻並未減損他們展覽的曝光度以及在藝術產業的重要性,相反的,遙遠的距離更能幫助畫廊進行造訪顧客的第一步篩選--換言之,會不遠千里而來的就是真正對展覽或收藏有興趣的愛好者和收藏家,重質不重量的觀眾結構,往往讓他們在畫廊經營時更能鎖定顧客,提供深入而量身打造的藝術資訊,同時也不用像都會型的畫廊一樣,必須應付許許多多走馬看花的觀眾。以一直堅持以台灣年輕藝術為經營主軸的科元藝術中心為例,因為畫廊形象清新、年輕創作者作品的又相對物美價廉,就經常吸引許多台北收藏家、甚至是畫廊同業南下尋寶,雖然遠離大城市,卻同樣受到業界的高度關注。

 

 

 

複合經營模式

 

    以金枝藝術來說,5月初的開幕當晚就湧入了將近500人次的觀眾,其中幾乎全是北部和中部地區的熟面孔,包括了多位藝術家和收藏家,甚至是美術館機構的代表,曝光效果非常集中;而未來金枝藝術的參訪方式也將採取事先預約制,此舉不但可以提高觀展的品質,同時也將原本是公開場所的畫廊「私人藝術沙龍化」,創造出台灣民眾參觀畫廊的另一種新模式,甚至與在地的觀光行程作結合,提供給觀眾更多元在地藝術體驗。事實上,此種「複合式畫廊」的經營模式,似乎已然在中台灣悄悄蔓延,例如嘉義泰郁美學堂所結合的茶道、服裝、陶藝、講座以及生活美學等即是一例。此外,根據筆者所掌握到的訊息,七月份在台中大雅也將出現一間結合畫廊、庭園、餐飲和建築特色的展覽空間「有寬藝術」,勢將成為台灣藝術產業中一個具有實驗性的嶄新經營路線。

 

 

 

台灣的當代藝術已然深化

 

    相較於中國目前的畫廊仍集中於北京和上海等一級大都市,台灣的畫廊已然由人潮聚集的都市向外擴散到近郊和非都會區。這樣的現象,意味著台灣當代藝術產業的幾個特質:

 

第一,台灣的當代藝術生態在歷經幾十年來的發展,已經日趨普及而深化,當代藝術的概念不再僅限於菁英階級的享受,而是擴及到更廣泛的層面,實體畫廊設立的點也不再受到地理位置的侷限,而能夠更具有彈性地尋找適合的地點。換言之,地方的民眾有需求、這類兼具民間藝文中心與畫廊功能的藝文空間自然應運而生,不定期的講座、活動、藝術欣賞會等也能有效聚集在地人氣,將當代藝術的概念更擴散到基層鄉鎮。反觀中國的當代藝術概念的推廣,尚處在萌發起步的初階,別說是非都會區,出了北京、上海等一線城市,基本上很難找到像樣的當代藝術空間。

 

第二,會固定參與非都會區畫廊展覽的愛好者和收藏家,代表他們對於當代藝術觀念的更加成熟--為了親眼目睹藝術家的作品而千里迢迢的造訪畫廊,不再滿足於複製品或是印刷品,顯現出觀眾對於藝術理解的深化和鑑賞力的提升。而這樣的觀眾素質,顯然在中國還有待提升;另一方面來看,中國無論是藝術家或是畫廊空間,還是有很明顯的「群聚」特性,例如北京宋莊、798、草場地,上海的莫干山路等,少有畫廊願意獨自設點在其他外圍空間,當然也無法養成觀眾「不遠千里也要拜訪畫廊」的習慣。

 

第三,近年來流行的「慢活」風,也促使藝術愛好者懂得用更悠閒、更享受的方式來觀看藝術。如果造訪畫廊、看藝術作品之外,還能夠偷得浮生半日閒,漫步在陣陣稻浪的畫廊庭園、或是閒適地啜飲一盅清茶,體驗一下特別的建築空間,不失為一種另類的文化休閒;而這樣的概念,也促使畫廊主人願意把空間設在鄉間小道,沒有顧客上門時,自己也是慢活的奉行者。而這種以「慢」為尚的行事風格,對於北京或上海這種競爭激烈的都市來說更是難以想像,畢竟,中國的城市還處於追求速度的發展階段,追求「慢」和「品質」的觀念需要的是穩定和成熟的背景環境。(本文作者孫曉彤,原刊登於「當代藝術新聞」2008/06)


 

 

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